Cinque modi per creare il volume

Abbiamo già visto come rappresentare la profondità spaziale di un ambiente sul supporto bidimensionale del foglio, ma non abbiamo ancora parlato della resa della tridimensionalità di un oggetto.

Fondamentale è, in questo caso, il ruolo della luce. La sua direzione, infatti può favorire o meno la percezione del “modellato”, cioè della morfologia della superficie e del volume come dimostra il confronto tra una foto scattata con cielo coperto (dunque priva di forti ombre) e una con luce solare diretta (in questo caso con ombre nette ed evidenti).

Come abbiamo già osservato nell’esercizio della foto caravaggesca, è la luce laterale, la cosiddetta “luce di taglio”, quella che riesce a rendere meglio la volumetria dell’oggetto rappresentato.

Guardate questa testa d’aglio. Acquisisce volume solo nel momento in cui sulla superficie si forma il chiaroscuro creato da una fonte laterale.

Naturalmente si possono utilizzare anche le altre direzioni della luce in base all’effetto cercato. Il controluce, ad esempio, è drammatico, la luce zenitale è solenne, la luce frontale dall’alto è assertiva e così via…

Tornando alla resa grafica del volume, per suggerire la sensazione di tridimensionalità esistono tante tecniche diverse. Io ne ho raccolte cinque. Vediamole.

1) INSPESSIMENTO DELLA LINEA DI CONTORNO: questo è il metodo più antico. La pittura rupestre e quella parietale egizia non conoscevano l’uso di gradienti tonali di colore. I pigmenti erano stesi in maniera uniforme a campire zone delimitate da una linea di contorno.

Con la pittura vascolare greca, però, come abbiamo visto nel post dedicato proprio alla linea, il contorno può assumere spessori variabili tali da suggerire l’idea del volume nella rappresentazione del corpo umano. Inoltre la linea greca lascia a volte il profilo esterno per continuare all’interno della figura disegnandone l’anatomia.

2) ALTERNANZA DI BIANCO E NERO: è una tecnica che si è evoluta in seguito allo sviluppo della fotografia. Aumentando in modo estremo il contrasto tra luce ed ombra si finisce con l’ottenere zone dell’immagine totalmente bianche o completamente nere.

Nonostante manchino le sfumature intermedie, tipiche del chiaroscuro, si può ancora apprezzare il volume del soggetto.

Una delle immagini “storiche” realizzate con questa tecnica è il famoso ritratto di Che Guevara.

Ma oggi è utilizzata anche da tanti artisti, come il mitico Banksy, che adoperano lo stencil (dunque una mascherina per dipingere rapidamente con un solo colore) per creare le loro opere di street art.

Potete provare anche voi a fare uno stencil partendo da una foto grazie alle tante istruzioni che si trovano in rete.

3) CHIAROSCURO PER GRADIENTI: è la modalità più classica per dare volume alle figure e consiste nel progressivo inscurimento del colore via via che la superficie riceve meno luce (zone di ombra propria).

Inizialmente apparso nelle opere di Giotto e di Masaccio (che per questo appaiono così “turgide”) raggiunge punte di altissima perfezione nello sfumato leonardesco e nel colore tonale di Giorgione.

Uno dei tipici esercizi per imparare questa tecnica (sia a matita che con olio o tempere) è la riproduzione di un panneggio.

Provate ad osservare le pieghe di un tessuto: la luce si ferma sulle parti più sporgenti mentre l’ombra si infittisce all’interno.

E adesso provate a copiarlo.

La realizzazione del chiaroscuro che si forma sul tessuto è spesso dimostrazione di grande virtuosismo. Ecco una raccolta di dettagli tratti dalle opere dei maggiori artisti del passato (cliccate sulla figura per conoscere gli autori).

4) CHIAROSCURO PER INFITTIMENTO DI TRAMA: quando non è possibile utilizzare il colore e le sue variazioni tonali perché la tecnica scelta prevede solo la possibilità di tracciare linee della stessa intensità, allora si può ricorrere alla sovrapposizione di segni come abbiamo già visto nel già citato post sulla linea e come possiamo osservare in questi lavori di Rembrandt.

Non è detto che la trama debba essere data solo da tratteggi incrociati: si possono utilizzare, infatti, anche scarabocchi ad andamento circolare, puntini e altri segni simili.

Ecco un esempio, realizzato da un mio alunno, di chiaroscuro ottenuto con scarabocchi.

Questo, invece, è l’effetto che si può creare con puntini più o meno densi.

In alcuni casi è la trama del supporto (tela o carta ruvida) a creare un effetto texture nel chiaroscuro.

Un esempio? Ecco i meravigliosi schizzi preparatori di Seurat (confesso che li amo molto più dei suoi dipinti!).

5) USO DEI COMPLEMENTARI: a partire dalla fine del Settecento, ma soprattutto cento anni dopo, con l’Impressionsimo, i pittori si sono resi conto che le ombre non sono toni più scuri dello stesso colore ma del colore complementare a quello in luce.

Dunque se l’incarnato è rosa-arancio il suo complementare, quindi la zona in ombra, è azzurrino.

Questo modo di dare rilievo ad un volto è ancora oggi molto in uso nel campo dell’illustrazione e del cinema.

Usare un tono caldo contrapposto ad uno freddo crea volume e realismo.

Infine vi lascio con il consueto compito per casa: imparate a guardare, osservate la luce, ma soprattutto la materia, le superfici, i colori e le ombre.

Il mondo che ci circonda è fatto di questo!