Sette luoghi comuni sull’arte

Leggendo i commenti che i navigatori lasciano sulla mia pagina Facebook, ho notato quanto siano diffusi e ricorrenti diversi luoghi comuni sull’arte e sugli artisti. Quando sono in classe lavoro molto su queste credenze cercando di sfatarle ogni volta che ne ho l’occasione. Ma se metto nero su bianco qualche riflessione magari riesco ad uscire anche fuori dall’aula…

Prima di partire con l’elenco voglio precisare però che, come in ogni mito che si rispetti, c’è sempre un fondo di verità, un elemento reale su cui la leggenda si è alimentata.

Cercheremo allora di capire da dove parte il luogo comune e come stanno realmente le cose.

1. L’ARTE È BELLEZZA. In effetti, per secoli, l’arte europea è andata alla ricerca della perfezione e di una bellezza assoluta e fuori dal tempo. È una concezione idealistica dell’arte di cui, però, non riusciamo a liberarci.

Senza voler scomodare la filosofia e l’estetica, gli esempi di rappresentazione del brutto (inteso come deforme, grottesco o mostruoso) nelle arti figurative, sono altrettanto diffusi. E dimostrano che il bello, per potersi definire, ha bisogno del contraltare del brutto. E che il brutto affascina quanto il bello!

Bello e brutto, tra l’altro, sono concetti talmente relativi e indefiniti che ciò che ieri era brutto (dai quadri impressionisti alle tele di Van Gogh) adesso è considerato bello e viceversa (un’abbondante donna di Rubens oggi non sarebbe percepita come bella). E ciò che a me sembra bello ad altri sembra brutto (lo vedo sui social network quando pubblico certa arte contemporanea…).

Dunque, se per Dostoevskij “la bellezza salverà il mondo”, per Hume “la bellezza delle cose esiste nella mente che le contempla”. Voltaire aggiunge: “chiedete al rospo che cosa sia la bellezza e vi risponderà che è la femmina del rospo” e Jean Rostand arriva a sostenere che “nell’arte, la bellezza non è altro che la bruttezza mitigata”.

Godiamoci, allora, questa galleria di splendidi orrori!

2. SE NON MI PIACE NON È ARTE. Se è vero che ognuno di noi ha facoltà di esprimere giudizi artistici non è vero che il giudizio personale abbia valore universale. Occorre accettare che (per le opere già “datate“) c’è un giudizio storicizzato e collettivo che ne ha sancito la valenza estetica.

Continuare dopo decenni a contestare a Duchamp o a Fontana di non essere veri artisti significa non riuscire a comprendere che, al di là dei gusti personali, c’è una comunità che ha apprezzato quelle espressioni artistiche e che ne ha decretato il successo.

Che ci piaccia o no è tutt’altra cosa. A me non piace Raffaello ma non per questo smetto di considerarlo uno dei più grandi artisti di tutti i tempi!

3. TUTTO È ARTE. Così come non vogliamo riconoscere lo status di artista a personaggi conclamati ma la cui arte non ci piace, con la stessa facilità tendiamo a chiamare arte qualunque attività creativa o addirittura i fenomeni naturali.

Ebbene, non basta fare dipinti iperrealistici stupefacenti per fare arte. L’arte è qualcosa in più, è qualcosa che raccoglie la sensibilità di un’epoca, è il senso che sta dietro un’opera. Il semplice virtuosismo è solo tecnica… manca una buona metà del lavoro perchè diventi arte (ma non è detto che in futuro non possa emergere la metà, il senso che adesso non si riesce a vedere).

Allo stesso modo un bel tramonto o un paesaggio mozzafiato non è arte. La natura non fa arte semplicemente perché non c’è una volontà cosciente di realizzare un messaggio visivo. Riassumendo: non tutto ciò che è arte è bellezza e non tutto ciò che è bellezza è arte!

4. SE DEVI SPIEGARLO ALLORA NON È ARTE. Anche questo è un concetto molto diffuso (pure tra chi pretende di essere un artista). Nasce dal fatto che le opere d’arte prodotte fino all’Ottocento erano comunque comprensibili anche senza conoscere nulla del significato dell’opera.

C’erano dei personaggi e una scena. E questo era sufficiente per appagare i nostri sensi. Ma in realtà, di quell’opera, comprendiamo solo la superficie, il 10% di ciò che dovrebbe comunicare. Non riusciamo a scoprire il mondo che ci sta dietro.

Nel momento in cui guardo un quadro delle Avanguardie (cubista, futurista, surrealista etc.) viene a mancare anche questa lettura immediata ed epidermica dell’opera.

Per comprenderla devo necessariamente conoscere la genesi del movimento che l’ha prodotta, devo capire il contesto storico e sociale e devo conoscere bene anche l’artista e il suo percorso. Ma è comunque arte!

5. ARTE = PITTURA. Questa strana equivalenza emerge chiaramente osservando il 99% delle pagine su Facebook dedicate all’arte, sia che siano realizzate da semplici amatori che da persone del settore. Sequenze infinite e ininterrotte di quadri.

Anche chiedendo alle persone di pensare ad un’opera d’arte quasi sicuramente penseranno ad un quadro (e molto probabilmente ad una delle icone più amate…).

È una visione “dipintocentrica” che risale alla vecchia suddivisione tra arti maggiori (pittura, scultura e architettura) e minori (mosaico, vetrata, arazzo, ceramica etc. etc.). Una visione che permane nei libri di testo, nei programmi scolastici, nei musei e, quindi, nell’opinione comune.

Senza volerci inoltrare nella storia della classificazione delle arti (in passato si è parlato anche di arti meccaniche, arti liberali, arti applicate, belle arti etc. etc.) è importante sapere che oggi la hit parade tra i generi artistici è ampiamente superata. Le arti vengono suddivise (solo per comodità) in arti visive, performative e mediali in base al medium con cui avviene la comunicazione.

Quindi è arte la ceramica, l’incisione, l’acquerello, l’intarsio ligneo, il ready-made così come le installazioni, le performance, la land art etc. etc.

6. L’ARTISTA È UN INDIVIDUO ECCENTRICO. L’immagine dell’artista come personaggio senza regole, bohémien, sopraffatto dal fuoco sacro dell’ispirazione, è un retaggio del Romanticismo ma non è una verità assoluta.

Volendo restare tra i pittori, accanto ad individui sopra le righe come Salvador Dalì si trovano tranquilli signori come Piet Mondrian o Wassilij Kandinskij.

E uno psicopatico come Vincent Van Gogh è bilanciato da un solare e gioioso Henri Matisse.

Anche in questo caso, dunque, possiamo fare una riflessione: essere un po’ folli non è condizione necessaria (né sufficiente) per essere un artista.

7. L’ARTE NON HA NULLA A CHE VEDERE CON I SOLDI. È un pregiudizio collegato a quello precedente:  l’artista creativo e maledetto – ma libero da condizionamenti e da committenti – non si sporca le mani col vile denaro.

Eppure l’arte ha sempre avuto bisogno di soldi! Alcuni studiosi sostengono addirittura che senza la famiglia dei Medici (e i loro fiorini) non ci sarebbe mai stato il Rinascimento italiano.

E d’altra parte gli artisti hanno quasi sempre avuto (o cercato) un committente: la Chiesa e la nobiltà prima, la borghesia dopo. E chi non l’aveva, come il solito sfortunatissimo Van Gogh, ha avuto un’esistenza d’inferno cercando disperatamente di vendere qualche tela (in tutta la sua vita l’artista olandese riuscì a vendere un solo quadro, quello qui sotto!).

Perché l’arte è anche un mestiere. L’artista deve pur campare!

Che poi l’attuale mercato dell’arte possa apparire fuori controllo e alcune stime vistosamente esagerate è tutto un altro discorso (anche il prezzo dell’opera d’arte è un valore soggettivo).

È chiaro che nessuno è davvero immune ai luoghi comuni. Anch’io mi occupo di pittura in modo preponderante (ma perché mi interessa l’aspetto concettuale di rappresentazione di una visione del mondo) e amo quelle opere capaci di darmi serenità e sensazioni di armonia. Adoro i virtuosi dello scalpello e della matita e tendo ad essere sospettosa verso gli artisti strapagati dei nostri giorni.

Ma se non conoscessi di persona questi pregiudizi come avrei potuto parlarvene? 😉